Les jeunes artistes suivent un chemin qui s'éloigne de la peinture vers la fibre

L'artiste sud-africain Igshaan Adams a suivi une formation de peintre à la Ruth Prowse School of Art du Cap. Au milieu de difficultés financières au milieu de la vingtaine, il a décidé d'arrêter d'acheter des peintures à l'huile coûteuses. Au lieu de cela, avec la permission de ses grands-parents, il a découpé des vêtements et d'autres tissus de leur maison et les a cousus ensemble pour créer une image figurative. Peu de temps après, en 2010, il a obtenu un poste d'enseignant de peinture et de composition aux artisans tisseurs dans une ONG appelée Philani Maternal, Child Health and Nutrition Trust. Il connaissait quelques notions de base du tissage avant de prendre le poste, mais l'expérience a déclenché une connexion «incarnée» avec le métier. "J'ai réalisé à ce moment-là que je n'avais jamais aimé peindre", a-t-il déclaré lors d'un appel Zoom depuis son studio du Zeitz Museum of Contemporary Art Africa au Cap. « Je n'ai jamais eu un lien aussi fort avec le médium. »

Après avoir formé ces artisans, Adams a commencé à travailler comme il le fait encore aujourd'hui, en démêlant des tapis de prière islamiques et en les retissant méticuleusement avec des perles qui évoquent le brin zikr ou Tasbih que les musulmans utilisent pour la prière. C'est "un geste symbolique", a-t-il dit, une manière de faire sa place au sein de l'islam en tant que musulman métis queer, et de considérer "les aspects de mon identité qui étaient en conflit les uns avec les autres". Aujourd'hui, Adams emploie une équipe de 16 personnes, comprenant ses anciens étudiants en peinture et leurs proches, ainsi que les membres de sa propre famille, pour l'aider à terminer de vastes tapisseries qui ont l'échelle et la puissance murale des peintures. Plusieurs œuvres intègrent des sols en linoléum usés arrachés aux maisons d'amis et de voisins, un matériau de construction associé aux maisons ouvrières. Son exposition solo de 2022 à l'Art Institute of Chicago, "Desire Lines", comprenait le Langa de 10 pieds de long aux tons de terre (2021), fabriqué à partir de bois, de plastique, de verre, de pierre, de corde de nylon, de fil de fer et de coton. Le X beige en son centre est basé sur une image aérienne de Google Maps des sentiers creusés dans le sol entre la communauté de Bonteheuwel, au Cap, où Adams a grandi – désignée pour les personnes « de couleur » à l'époque de l'apartheid – et Langa, une banlieue noire adjacente.

Récemment, de nombreux artistes en début de carrière formés aux beaux-arts ont suivi une voie similaire à celle d'Adams, se détournant de la peinture - ainsi que du bagage historique de l'art et des limites qui l'accompagnent - et vers la fibre. Ils utilisent les matériaux de l'artisanat d'une manière qui ressemble beaucoup à la peinture. Mais ces artistes prennent le matériau comme une invitation à centrer des histoires personnelles et sociales, souvent à partir de perspectives historiquement marginalisées. Natalia Nakazawa, une artiste d'origine japonaise et uruguayenne basée dans le Queens, à New York, a d'abord suivi une formation de peintre figuratif à la Rhode Island School of Design (RISD). Dans les critiques et les visites d'ateliers, elle a vécu ce qu'elle a appelé des conversations «terrifiantes», pleines d'exotisme symbolique, sur les corps féminins bruns de ses peintures. Après avoir exposé des œuvres figuratives au Queens International en 2006, elle "ferme[d]… ce chapitre". Aujourd'hui, elle utilise le textile pour aborder le patrimoine culturel, la diaspora, la circulation numérique et le pouvoir institutionnel. "L'une des raisons pour lesquelles je me suis tournée vers les textiles était d'échapper aux conversations obsessionnelles sur les particularités du corps", a-t-elle déclaré lors d'une visite dans son studio à Long Island City, New York. "Je voulais parler de l'ascendance, de l'histoire, du passé, du présent, du futur. Je voulais parler de la mondialisation et des marchés - comment les images sont traduites d'un support à l'autre et sont vendues." Un textile récent, Demons and Protectors: Say their names #GuiYingMa #ChristinaYunaLee #MichelleAlyssaGo (2022), présente des images de trois femmes américaines d'origine asiatique qui ont été assassinées à New York pendant la pandémie, aux côtés d'images de bêtes et de mains sculpturales fragmentées. Il y a une "qualité fragile dans la mesure dans laquelle nous pouvons honorer et protéger les membres de notre propre communauté", a déclaré Nakazawa.

L'artiste née au Brésil et basée à Los Angeles, Lila de Magalhaes a d'abord étudié la peinture, mais s'est tournée vers la broderie après avoir été initiée à la technique alors qu'elle travaillait comme assistante dans un atelier de peintre. Après avoir obtenu son diplôme de la Glasgow School of Art et de l'Université de Californie du Sud (où elle s'est concentrée sur l'art vidéo), elle a travaillé comme assistante de studio pour Ivan Morley et est tombée sur sa "machine à broder analogique japonaise branlante guidée à la main". L'outil l'a ramenée à son enfance en faisant de l'artisanat en tant qu'élève de l'école Waldorf en Suisse, où elle a grandi. Elle réalise désormais des tapisseries qui, de loin, sont les sosies de peintures. Ce n'est que lorsque vous vous approchez suffisamment que vous pouvez voir leurs images d'un autre monde brodées sur des draps ou des soies teints et agrémentées de couches de pastel à la craie. Son vocabulaire visuel – chatons, vers, insectes, parties abstraites du corps et souvent, une femme chevauchant nue à cheval – sonde l'inconscient. Jungienne autoproclamée, elle se réfère aux draps teints des friperies qu'elle brode comme "le lieu de l'inconscient et des rêves".

Cette nouvelle génération d'artistes mélange librement la fibre et la peinture, abordant des préoccupations formelles et politiques dans des œuvres teintes, tissées, brodées et cousues plutôt que rendues à l'huile ou à l'acrylique. En effet, lors d'un voyage dans des galeries du centre-ville de New York l'hiver dernier, les tapisseries dominaient souvent l'espace mural généralement réservé à la peinture. Un spectacle remarquable était une exposition intergénérationnelle chez Kaufmann Repetto, "Re-Materialized: The Stuff That Matters". Des artistes du millénaire travaillant dans la figuration, comme LJ Roberts, qui réalise des portraits brodés d'individus queer et trans ; et Erin M. Riley, dont les tapisseries représentent souvent son propre corps tatoué, capturé dans les selfies de l'iPhone, ont été inclus, ainsi que des vétérans comme l'artiste de corde à nœuds de 80 ans Françoise Grossen.

Le passage de la peinture au textile est une tendance qui se prépare depuis un moment. Le terrain a été jeté par une série d'expositions qui célébraient à la fois l'artisanat et la tendance à l'ornementation et à la décoration, qui sont depuis longtemps associées aux femmes et aux cultures non occidentales. Nakazawa a souligné des enquêtes récentes comme "With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art, 1972-1985", qui a ouvert ses portes en 2019 au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, comme influent pour célébrer l'ornement dans l'art contemporain. "Beaucoup de gens relèguent les femmes et les personnes de couleur à un domaine décoratif", a-t-elle déclaré. pour cette raison, elle considère le médium textile comme un outil permettant aux personnes autrefois marginalisées de reconquérir la pleine humanité

D'autres expositions phares mettant en avant les textiles et l'artisanat incluent "Fiber: Sculpture 1960–present" (2014) à l'ICA Boston; "Outliers and American Vanguard Art" (2018) à la National Gallery of Art ; "Quilts and Color" (2014) au Museum of Fine Arts de Boston ; et "Making Knowing: Craft in Art, 1950–2019" (2019–22) au Whitney Museum of American Art. Bon nombre de ces expositions s'appuient sur l'héritage de l'histoire de l'art féministe en récupérant les contributions à l'innovation formelle créées dans des contextes domestiques, en célébrant les pratiques collectives et en nivelant la hiérarchie entre les beaux-arts et l'art populaire. Dans le processus, ils ont révélé comment le sexe, la race et la classe sous-tendent les préjugés esthétiques.

Pendant deux décennies, de grandes expositions muséales ont recadré les œuvres réalisées en fibre comme un art majuscule en montrant comment les évolutions formelles de la peinture se sont développées parallèlement aux motifs et compositions trouvés dans les textiles. L'une des pierres de touche est l'enquête révolutionnaire "The Quilts of Gee's Bend", qui a voyagé dans 11 musées entre 2002 et 2006. Les compositions géométriques inventives de l'exposition, fabriquées à partir de tissus de rebut par une communauté de courtepointes noires en Alabama, ont été accueillies avec enthousiasme comme un style d'abstraction particulièrement américain. Comme Michael Kimmelman l'a vanté dans le New York Times, "Imaginez Matisse et Klee… ne provenant pas d'une Europe raréfiée, mais du sol caramel du Sud rural sous la forme de femmes, descendantes d'esclaves."

Une nouvelle génération d'œuvres d'artistes témoigne de l'influence durable des courtepointières de Gee's Bend. L'artiste de 32 ans Bhasha Chakrabarti, dont le travail a été inclus dans l'exposition collective "Fiber of My Being" l'été dernier à la galerie Hales à New York, a étudié les textiles à la fois en Inde et avec les quilteuses Gee's Bend en Alabama ; ses portraits figuratifs mêlent techniques textiles et picturales. Toujours en 2022, Legacy Russell a organisé "The New Bend", une exposition de groupe à la galerie Hauser & Wirth qui a établi des liens entre les quilteuses de Gee's Bend et 12 artistes étoiles montantes, dont Tomashi Jackson, Eric N. Mack et Basil Kincaid. Russell a décrit les fabricants de Gee's Bend comme des "artistes et technologues", positionnant les jeunes artistes comme leurs héritiers explorant les nombreux liens entre les textiles et les outils numériques. Les chaînes et les trames du tissu, par exemple, fonctionnent comme une grille de pixels, tandis que leurs techniques de collage rappellent l'expérience décousue de la navigation sur Internet.

Le numérique joue un rôle important dans une grande partie des nouveaux travaux textiles. Nakazawa transforme des images collées numériquement d'œuvres d'art, souvent par des fabricants non occidentaux, en textiles tissés jacquard fabriqués en Caroline du Nord sur du coton recyclé. Elle embellit ensuite le tissu avec des éléments cousus à la main comme des miroirs à chicha et des paillettes. "Jacquard est l'ordinateur d'origine", a-t-elle déclaré, soulignant que les femmes dominaient la programmation informatique avant que le domaine ne devienne lucratif. L'imagerie numérique est également une source pour Pauline Shaw, basée à New York, qui a étudié la sculpture au RISD avant d'apprendre elle-même le feutrage à travers des tutoriels en ligne. Elle exploite désormais les collections de musées en ligne, ainsi que son histoire personnelle, pour créer des œuvres textiles explorant la mémoire culturelle. Américain taïwanais de première génération, les tapisseries de Shaw retravaillent souvent des motifs trouvés dans les arts décoratifs d'Asie de l'Est. Taw (2022), réalisé à partir de laine feutrée et de canevas de coton, présente des formes stylisées représentant un marbre, une pivoine, un chrysanthème - emblème de la chance - ainsi qu'un coquelicot, symbolisant l'extraction et le commerce mondial. De petits objets en verre soufflé, ressemblant à la flore, pendent du bord inférieur de la tapisserie. "En l'absence d'héritages, les histoires et les souvenirs familiaux sont devenus des contes populaires", a déclaré Shaw lors d'une visite guidée d'une exposition de deux artistes à la galerie Chapter NY en février dernier.

Pour Shaw, la technique du feutrage - l'une des plus anciennes connues de l'humanité - évoque "les espaces de la maison, des soins et de l'éducation", ainsi que les textiles à grande échelle qui illustraient les mythes d'origine culturelle dans la Chine médiévale et dynastique. Pour Knight Knight (2022), elle a réinterprété une tapisserie chinoise de la fin du XVIe au début du XVIIe siècle qui représente le monde à travers la terre, la mer et le ciel. Le panneau avec un phénix et des oiseaux dans un jardin de rocaille, provenant des fonds du Metropolitan Museum of Art, est à peine reconnaissable dans l'interprétation verticale inversée de Shaw, où des oiseaux stylisés entourent un centre rougeâtre, entourés de verticilles ressemblant à du magma de beiges, de bleus et d'oranges. Une tension similaire entre lisibilité et abstraction a animé l'œuvre de Shaw en 2021, The Tomb-Sweeper's Mosquito Bite, commandée par la salle new-yorkaise The Shed. Dans cette installation monumentale, une tapisserie feutrée de 24 pieds de long était suspendue au plafond par une armature métallique et des câbles, son poids étant contrebalancé par de multiples orbes en verre soufflé. Les récipients en verre délicats contenaient des objets basés sur des objets d'autel taoïstes et des signes du zodiaque chinois, tandis que le dessin abstrait du textile feutré, ressemblant à un enchevêtrement de branches, était basé sur une IRM du cerveau de l'artiste. "J'ai aimé que ce grand travail apparemment abstrait contienne en fait beaucoup d'informations spécifiques", a-t-elle déclaré.

Ces artistes n'ont pas entièrement abandonné la peinture ; au lieu de cela, ils le recombinent dans un vocabulaire visuel élargi. Nakazawa fait toujours des peintures, mais généralement dans le cadre d'un travail multimédia plus large : Son œuvre de 2019, History has fail us… but not matter, comprend des tissus trouvés à imprimé jacquard et des images collées du site d'internement japonais Camp Minidoka, où sa grand-mère et d'autres membres de sa famille ont été détenus pendant la Seconde Guerre mondiale. Ici, les tissus trouvés témoignent de la diffusion numérique internationale des motifs et de la cannibalisation des cultures dans les textiles contemporains. Nakazawa a déclaré que ces motifs textiles contemporains, tels que les fleurs et les abstractions agréables, dérivent de traditions d'arts décoratifs spécifiques. Aujourd'hui, cependant, ils sont partagés numériquement et réimprimés dans le monde entier, avec de légères modifications de couleur ou d'échelle. "Même les choses qui ont des significations culturelles plus profondes existent également dans un éther étrange de nostalgie diasporique", a-t-elle déclaré.

Traditionnellement, l'art décoratif a été considéré comme moins précieux que la peinture. Pour ces artistes, cependant, les textiles, et l'artisanat en général, sont libérateurs. De Magalhaes a décrit son virage vers l'artisanat - elle travaille également la céramique, inspirée par le temps passé dans l'atelier de poterie de sa mère - comme un "désir de désapprendre" la façon de travailler "lourdement cérébrale" qu'elle a étudiée à l'école d'art. Néanmoins, ses œuvres rêveuses évocatrices établissent souvent des comparaisons avec des pièces picturales. L'écrivain Gaby Cepeda a comparé l'imagerie de Magalhaes aux personnages de l'Ancien Testament, tandis qu'Andrew Berardini a noté la relation de son travail avec le symbolisme d'Odilon Redon. Son propre objectif, a-t-elle dit, est de "trouver de la joie, du plaisir et du sens dans le chaos qui est la condition humaine".